Популярные графические дизайнеры. Три поколения графического дизайна

Ксения Суворова, редактор блога «Нетологии», сделала подборку одних из самых крутых работ дизайнеров на Behance.

Наша редакция очень любит сайт Behance. Мы решили выделить самые крутые дизайны по версии пользователей сайта в нескольких категориях: , и . Смотрите подборку, учитесь и вдохновляйтесь.

Анимационный дизайн (моушн-дизайн)

«Air Max » от ManvsMachine

Лондонская студия ManvsMachine специально для Nike Europe создала потрясающее видео из анимационной графики. Волшебное превращение настолько потрясает, что на 83 тысячи просмотров приходится чуть менее 10 тысяч лайков.

Кстати, это же и пример отличного не для крупной корпорации, а для конкретного продукта. Да, такое тоже бывает.

«TrickPics » и «Ooohlympics » для Pornhub

Кто лучше всего поймет международный бренд? Руководство компании решили, что пятеро русских с продакшеном от Officer&Gentelmen. Наши соотечественники не мучались при создании серии мультфильмов для взрослого бренда и использовали Adobe After Effects, Adobe Illustrator и Corel Draw.

Для создания анимации они используют именно этот набор инструментов. А каждая их работа набирает не менее тысячи лайков и множество просмотров.

Работы Eiko Ojala для СМИ

Графический дизайнер и иллюстратор из Таллинна набрал на Behance более 1,222 млн просмотров и около 124 тысяч лайков. Его работы невероятно стильные, минималистичные и простые. Красота, достойная постоянного внимания и заказов крупнейших СМИ мира: Sunday Review, New York Times, La Poste, Wired и других.

Посмотрите на нестандартные идеи и, тем более, исполнение. Нетипичные цвета, текстура и великолепная техничная работа. В простоте - сила.

Брендинг

«Autistic art »

Проект чешской команды из семи человек «Autistic art» собрал более 82 тысяч просмотров, около 12 тысяч лайков и полтысячи комментариев. Идея родилась из минималистичного изображения окна и рисунков людей с расстройствами аутистического спектра.

При создании использовались продукты Adobe: Photoshop, Illustrator, InDesign. Работа - отличный пример того, как хорошая идея и исполнение могут быть применены на любом предмете.

Работы команды Ramotion

Команда Ramotion из Сан-Франциско получила за все свои работы на Behance практически 207 тысяч лайков, а их творения посмотрели в совокупности 2 млн 164 тысячи человек. Публикация нескольких работ, одних из лучших, получила 134 тысячи просмотров и 18 тысяч лайков.


На самом деле, если смотреть на работы команды, то понимаешь, что Артемий Лебедев - хорош, но недостаточно.

Работы Studio-JQ

Студия из Бристоля, Англия, набрала лайков, комментариев и просмотров даже больше, чем популярная компания Ramotion. У них 3.5 млн просмотров, 265 тысяч лайков.

Подборка работ, выложенная единым постом, собрала 108 тысяч просмотров и 14,5 тысяч лайков. Это и неудивительно. Явный профессионализм, яркие цвета, а не сдержанный минимализм, как у Ramotion, действительно привлекают внимание.

Иллюстрации

Работы Emi Haze

Творения итальянского и художницы обожают люди со всего мира. Только на Behance у нее более 3,15 млн просмотров и 317 тысяч лайков. Она обожает совмещать фотографию и пейзажи.

Её инструменты - это стандартный Photoshop и еще Apple IMac, графический планшет Wacom Cintiq, акварель и акрил. Еще периодически она использует InDesign.

«Kitten Free Typeface Family »

Все любят котиков и красивую типографику. Итальянские совместили два в одном. И немного взорвали Behance. Всего 90 тысяч просмотров, но и 22 тысячи лайков. Соотношение очень большое.

Команда использует Photoshop, Illustrator, After Affects и FontLab Studio.

Проект «Tropical Blast »

Foreal Studio из Германии со «скромными» 620 тысячами просмотров и 62 тысячами лайков создали проект с помощью Photoshop, Illustrator, Maxon Cinema 4D, Wacom Tablet, Wacom Intuos и обычного карандаша с ручкой.

Милтон Глейзер в 1974-м году. Фото: © Cosmos Sarchiapone

Несмотря на преклонный возраст, Милтон Глейзер (Milton Glaser) до сих пор продолжает заниматься творчеством. Именно он подарил миру журнал New York Magazine , знаменитый психоделический постер с изображением Боба Дилана , фирменный стиль Бруклинского пивоваренного завода Brooklyn Brewery и, конечно же, бессменный символ Нью-Йорка - логотип I love New York.

Сейчас Милтону Глейзеру за восемьдесят, он живет на Манхеттене и, хотя многие в этом возрасте уже уходят на пенсию, он руководит своей студией дизайна, в которой кипит работа. Как и много лет назад, он продолжает рисовать постеры, создавать логотипы и разрабатывать фирменные стили. Помимо практики, Глейзер занимается и теорией: читает лекции в университетах, пишет эссе и теоретические рассуждения о связи дизайна и искусства и их влиянии друг на друга, о профессии дизайнера и сложностях творческого процесса.

Логотип был создан в 1977-м году.

Детство и обучение

Милтон Глейзер родился 26 июня 1929 года в Нью-Йорке в еврейской семье с венгерскими корнями. Когда Милтону было пять лет, его двоюродный брат нарисовал у него на глазах лошадь - именно тогда Глейзер понял всю силу графического искусства. Он впервые увидел, как кто-то рисует нечто действительно существующее. Он подумал, что можно создать целый мир простым движением карандаша. Это восторженное чувство не покидает его всю жизнь.

В семнадцать лет Глейзер утвердился в желании стать художником. Именно тогда он понял, что подлинная цель искусства - делать нас внимательными; искусство помогает нам выжить. В интервью Smashing Magazine Глейзер рассказал, что сидел тогда за кухонным столом и вдруг решил нарисовать портрет матери. В тот момент он осознал, что не знает, как она выглядит. Только когда он решил нарисовать мать, его заинтересовала ее внешность.

Глейзер учился в Манхэттенской школе музыки и искусств (Manhattan"s High School of Music and Art), затем в 1951-м году закончил частный нью-йоркский Колледж Купер-Юнион (The Cooper Union for the Advancement of Science and Art). Огромное влияние на его образование и на дальнейшее творчество оказала возможность пожить в другой стране, а именно в Италии. После окончания колледжа Глейзер поступил в Академию изящных искусств города Болонья (Accademia di Belle Arti di Bologna) по программе Фулбрайта (Fulbright Scholarship): там он учился в классе итальянского живописца Джорджо Моранди (Giorgio Morandi).

Push Pin Studios

В 1954-м году Глейзер вместе с друзьями по колледжу Рейнольдом Раффинсом (Reyonld Ruffins), Сеймором Чвастом (Seymour Chwast) и Эдвардом Сорелом (Edward Sorel) основал студию дизайна Push Pin Studios. Идея создать свою компанию возникла у Сорела и Чваста после того, как их в один и тот же день уволили из журнала Esquire. На последние деньги они сняли темное и сырое помещение на 17-й Восточной улице Манхеттена. Через несколько месяцев Глейзер вернулся из Италии и присоединился к студии. В течении двадцати лет Глейзер и Сеймор руководили мастерской, которая оказала огромное влияние на развитие графического дизайна по всему миру.

Кульминационным моментом для Push Pin Studios стала выставка The Push Pin Style в Лувре: в 1970-1972 годах, помимо Парижа, она побывала в других городах Европы, Бразилии и Японии.

Push Pin Studios существует до сих пор, только сейчас ее единственным директором является Сеймор Чваст.

В 1967-м году Милтон Глейзер, работая в Push Pin Studios, создает психоделический портрет Боба Дилана, который позже был использован для оформления сборника лучших хитов певца.

New York Magazine

В 1968-м году Глейзер вместе с Клеем Фелкером (Clay Felker) создал журнал New York Magazine . Глейзер был президентом компании и дизайн-директором до 1977-го года. Изначально журнал создавался как некая альтернатива уже существовавшему The New Yorker . Он оказался нахальным и прямолинейным и стал частью так называемой Новой журналистики - течения в американской журналистике 1960-1970-х годов. Это издание стало иконой городского журнала и породило целую череду имитаций.

В течение шести или семи лет Глейзер вместе с Джеромом Шнайдером (Jerome Snyder) сочиняли «Подпольного гурмана» (The Underground Gourmet) - путеводитель по дешевым ресторанам Нью-Йорка. Изначально это была всего лишь колонка в New York Magazine. Всем было интересно, где можно дешево и вкусно поесть, поэтому колонка стала настолько популярной, что пришлось выпустить целую книгу.

Уолтер Бернард и Милтон Глейзер

WBMG

В 1983-м году Глейзер вместе с Уолтером Бернардом (Walter Bernard) основал WBMG. Это была небольшая дизайн-фирма, занимающаяся издательской деятельностью. За время своего существования они сделали дизайн для более чем пятидесяти журналов, газет и других периодических изданий по всему миру, а также обновили дизайн таких известных газет, как американская The Washington Post , каталонская La Vanguardia и бразильская O Globo .

Milton Glaser, Inc. Искусство - это работа

В 1974-м году Глейзер основал на Манхеттене свою собственную студию Milton Glaser, Inc. , которая функционирует и по сей день. Помимо самого Глейзера, в студии работает еще два дизайнера: Сью Уолш (Sue Walsh) и Джиин Ли (Jee-eun Lee). Деятельность фирмы затрагивает практически все области дизайна - от создания логотипов до оформления интерьеров. В сфере печатной графики студия занимается разработкой фирменного стиля, который включает в себя логотипы, бланки, брошюры, вывески и годовые отчеты. В области дизайна интерьера и среды они разрабатывают концепции и руководят созданием различных товаров, интерьеров и экстерьеров ресторанов, торговых центров, отелей и других торговых и коммерческих пространств.

© Милтон Глейзер
Логотип Бруклиского пивоваренного завода. © Милтон Глейзер
Логотип журнала New York. © Милтон Глейзер
Логотип компании Seed. © Милтон Глейзер
Логотип звукозаписывающей компании Tomato Records. © Милтон Глейзер, 1978
Логотип Angels in America. © Милтон Глейзер
Логотип DC Comics . © Милтон Глейзер, 1977
Логотип театра Школы визуальных искусств. © Милтон Глейзер
© Милтон Глейзер
© Милтон Глейзер
© Милтон Глейзер

«Создание логотипа - одно из скучнейших занятий для дизайнера. Есть масса более интересных вещей.» Милтона Глейзера называют самым плодовитым дизайнером по части логотипов. Действительно, мало кому удавалось нарисовать столько запоминающихся знаков. «Рассказывать о логотипах очень скучно, - говорит американец в интервью Smashing Magazine. - Вы же знаете, почему о них все говорят: они приносят деньги.»

Самый копируемый логотип в мире

Безусловно, самым знаменитым логотипом Глейзера считается I love New York, который он создал в середине 1970-х годов для рекламной кампании по развитию туризма в Нью-Йорке. Логотип состоит из заглавной буквы I, красного символа сердца и заглавных букв NY - аббревиатуры Нью-Йорка. Буквы набраны рубленным шрифтом с засечками American Typewriter .

Оригинал наброска логотипа

В 1977-м году Департамент штата Нью-Йорк по торговле обратился в рекламное агентство Wells Rich Greene с просьбой разработать маркетинговую кампанию для штата Нью-Йорк. Милтона Глейзера также привлекли к работе над проектом. Интересно, что Глейзер нарисовал I love NY на общественных началах (т. е. бесплатно), думая, что кампания продлится всего пару месяцев и бесследно исчезнет. Но эта эмблема стала настолько популярной, что ее начали использовать повсеместно, и многие называют I love NY самым удачным логотипом в истории графического дизайна.

Особое значение логотип приобрел после событий 11-го сентября, породив дух единения и взаимопомощи среди жителей города. Многие гости города носили футболки I love New York чтобы выразить поддержку всем пострадавшим во время теракта.

Через несколько дней после событий 11-го сентября Глейзер проснулся и понял, что его логотип уже не то, что нужно жителям города. Его чувства к городу изменились и логотип тоже должен был поменяться. Так появилась новая версия логотипа со словами I love NY More Than Ever («Я люблю Нью-Йорк больше, чем когда-либо» ) с небольшим черным пятном на красном сердце. Положение этого почерневшего участка не случайно: оно обозначает место на карте Нью-Йорка, в котором располагался Всемирный торговый центр.

Глейзер обратился за помощью в создании новой версии логотипа в Школу визуального искусства. Он позвонил своему другу Силасу Родсу (Silas Rhodes) и сказал, что у него есть идея: он хочет напечатать плакаты и расклеить их в метро. В итоге напечатали пять тысяч постеров, которые студенты расклеили по всему городу. Таким образом, практически из каждого окна в городе можно было увидеть этот постер, который еще больше сплотил жителей.

Логотип стал иконой поп-культуры и до сих пор используется повсеместно, начиная от кружек и футболок с нью-йоркской символикой и заканчивая огромными баннерами. Нью-Йорк пытается сохранить авторские права на логотип, но по данным 2005-го года было зарегистрировано около трех тысяч фактов имитации.

Глейзер так рассказывает о том, как он создавал набросок логотипа на заднем сиденье нью-йоркского такси: «Я был взбудоражен. В моей идее присутствовало чувство неизбежности. Форма и содержание были объединены настолько, что невозможно было отделить одно от другого.» Глейзер до сих пор не понимает, почему этот логотип стал настолько популярным не только в Нью-Йорке, но и во всем мире.

Дизайн как искусство

Работы Милтона Глейзера участвовали во множестве выставок по всему миру, включая персональные выставки в Музее современного искусства в Нью-Йорке (Museum of Modern Art) в 1975-м году и в Центре Помпиду в Париже (Centre Georges Pompidou) в 1977-м году. Милтон Глейзер много раз выставлялся в Италии. В 1991-м году итальянское правительство пригласило его курировать выставку в честь пятисотлетия итальянского художника Пьеро делла Франческа (Piero della Francesca). Выставка открылась в Ареццо и через год благодаря спонсорской поддержке Campari переехала в Милан. В 1994-м году у Глейзера состоялась выставка в его родном Колледже Купер-Юнион . В 1997-м году в Японии была представлена ретроспектива работ Push Pin Studios, которая включает в себя персональные работы Милтона Глейзера и других художников студии. Однако главная ретроспектива его работ была открыта в феврале 2000-го года в Венеции, в Фонде Бевилаква-Ла-Маса (Fondazione Bevilacqua La Masa).

Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера.

Вклад в культуру

На протяжении карьеры Милтон Глейзер был удостоен многих наград, в том числе в 2004-м году он получил награду за значительный вклад в развитие современного дизайна от Национального музея дизайна (Smithsonian Cooper-Hewitt, National Design Museum).

Вклад Глейзера в развитие графического дизайна огромен: для многих он является живым воплощением американского графического дизайна, редкий пример, сочетающий в себе глубокое интеллектуальное мышление с невероятным богатством визуального языка.

10 правил Милтона Глейзера

Работайте только с теми, кто вам нравится

У меня ушло много времени на то, чтобы сформулировать для себя это правило. Когда я начинал, думал наоборот, что профессионализм ― это умение работать с любыми клиентами. Но с годами стало понятно, что самый осмысленный и хороший дизайн был придуман для тех заказчиков, которые в последствии стали моими друзьями. Похоже, что симпатия в нашей работе гораздо важнее профессионализма.

Если у вас есть выбор, не устраивайтесь на работу

Однажды я услышал по радио интервью с замечательным композитором и философом Джоном Кейджем (John Milton Cage Jr.). Ему было тогда семьдесят пять лет. Ведущий спросил: «Как подготовиться к старости?» Я навсегда запомнил ответ Кейджа: «У меня есть один совет. Никогда не ходите на работу. Если в течение всей жизни вы каждый день ходите в офис, однажды вас выставят за дверь и отправят на пенсию. И тогда вы уж точно не будете готовы к старости ― она застанет вас врасплох. Посмотрите на меня. С двенадцати лет я каждый день делаю одно и то же: просыпаюсь и думаю, как заработать себе на кусок хлеба. Жизнь не изменилась после того, как я стал стариком».

Избегайте неприятных людей

Это продолжение первого правила. В 1960-х работал гештальт-терапевт по имени Фритц Перлс. Он предположил, что во всех отношениях люди либо отравляют жизнь друг друга, либо подпитывают ее. При этом все зависит не от человека, а от отношений. Знаете, есть простой способ проверить, как на вас влияет общением с кем-нибудь. Проведите с этим человеком некоторое время: поужинайте, прогуляйтесь или выпейте, пропустите по стаканчику. И обратите внимание на то, как вы будете чувствовать себя после этой встречи ― воодушевленным или уставшим. И все станет понятно.

Опыта недостаточно или почему хорошее враг выдающегося

Я уже говорил, что в молодости был одержим профессионализмом. На самом же деле опыт ― это еще одно ограничение. Если вам нужен хирург, вы, скорее всего, обратитесь к тому, кто делал именно эту операцию много раз. Вам не нужен человек, который намерен изобрести новый способ пользоваться скальпелем. Нет-нет, никаких экспериментов, пожалуйста, делайте все так, как вы делали это всегда и как делали до вас. В нашей работе все наоборот: хорош тот, кто не повторяет за собой и за другими. Хороший дизайнер хочет каждый раз пользоваться скальпелем по-новому или вообще решает вместо скальпеля использовать садовую лейку.

Меньше не всегда лучше

Все мы слышали выражение «лучше меньше да лучше». Это не совсем так. Одним прекрасным утром я проснулся и понял, что это, скорее всего, полная чушь. Оно, может быть, звучит неплохо, но в нашей области этот парадокс не имеет смысла. Вспомните персидские ковры, разве в их случае «меньше» было бы лучше? То же самое можно сказать о работах Гауди, стиле ар-нуво и о многом другом. Поэтому я сформулировал для себя новое правило: лучше, когда всего ровно столько, сколько нужно.

Не доверяйте стилям

Уверен, вы все видели иллюстрации Пикассо для «Неведомого шедевра» Бальзака. Он изобразил быка в двенадцати разных стилях: от натуралистичной манеры до абстракции в одну линию. В данном случае стиль ― понятие неактуальное. Глупо отдавать себя какому-то одному стилю, потому что ни один из них не заслуживает вас целиком. Для дизайнеров старой закалки это всегда было непросто, потому что с годами вырабатывается почерк и визуальный словарь. Но мода на стили опосредована экономическими показателями, то есть практически математикой ― с ней не поспоришь. Об этом писал еще Маркс. Поэтому каждые десять лет меняется стилистическая парадигма, и вещи начинают выглядеть иначе. То же самое происходит со шрифтами и графикой. Если вы планируете просуществовать в профессии больше одного десятилетия, очень рекомендую быть готовым к этой смене.

Образ жизни меняет образ мышления

Мозг ― самый чуткий орган нашего тела. Он наиболее подвержен изменениям и регенерации. Несколько лет назад в газетах мелькала любопытная история про поиски абсолютного слуха. Как известно, такой слух встречается редко даже среди музыкантов. Не знаю как, но ученые выяснили, что у людей с абсолютным слухом другое строение мозга: каким-то образом деформированы некоторые доли. Это само по себе интересно. Но потом они выяснили кое-что еще более поразительное: если детей четырех-пяти лет учить играть на скрипке, есть вероятность, что у кого-нибудь из них начнет меняться строение коры головного мозга и разовьется абсолютный слух. Я уверен, что рисование влияет на мозг не меньше, чем занятия музыкой. Но вместо слуха мы развиваем внимание. Человек, который рисует, обращает внимание на то, что происходит вокруг него ― а это не так просто, как кажется.

Сомнения лучше, чем уверенность

Все говорят, что уверенность в том, что ты делаешь, очень важна. Мой преподаватель по йоге как-то сказал: «Если вам кажется, что вы достигли просветления, вы всего лишь уперлись в собственные рамки». Это верно не только в духовной практике, но и в работе. Для меня все сформировавшиеся идеологические позиции ― сомнительны, потому что совершенство ― это бесконечное развитие. Я нервничаю, когда кто-то верит во что-то безапелляционно. Нужно подвергать сомнению все. У дизайнеров эта проблема появляется еще в художественной школе, где нас учат теории авангарда и тому, что личность может изменить мир. В каком-то смысле это правда, но чаще всего заканчивается сложностями с творческой самооценкой. Коммерческое сотрудничество с кем-то ― это всегда компромисс, и этому ни в коем случае нельзя сопротивляться. Всегда нужно допускать возможность, что ваш оппонент может быть прав. Пару лет назад я прочел у Айрис Мердок лучшее определение любви: «любовь ― это крайне сложное осознание того, что кто-то, кроме нас, реален». Это - гениально и описывает абсолютно любое сосуществования двух людей.

Это неважно

На прошлый день рождения мне подарили книгу Роджера Росенблатта «Старейте красиво» (Roger Rosenblatt, Rules for Aging). Название мне не понравилось, но содержание заинтересовало. Самое первое правило, предложенное автором, оказалось лучшим. Оно звучит так: «это неважно». Не важно, что вы думаете ― следуйте этому правилу и оно прибавит к вашей жизни десятилетия. Не важно, опаздываете вы или приходите вовремя, тут вы или там, промолчали вы или что-то сказали, умны вы или глупы. Не важно, какая у вас прическа и как на вас смотрят знакомые. Повысят ли вас на работе, купите ли вы новый дом, получите ли Нобелевскую премию ― все это неважно. Вот это мудрость!

Говорите правду

Иногда мне кажется, что дизайн не лучшее место для поисков правды. Безусловно, в нашем сообществе существует определенная этика, которая, кажется, где-то даже записана. Но в ней нет ни слова об отношениях дизайнера с обществом. Говорят, в СССР при Сталине все, что продавалось с этикеткой «телятина», на самом деле было курицей. С тех пор меня мучает вопрос, что же тогда продавалось под видом курицы? Дизайнеры несут не меньшую ответственность, чем мясники, поэтому они должны внимательно относится к тому, что продают людям под видом телятины. У врачей есть клятва: «Не навреди». Я считаю, что у дизайнеров тоже должна быть клятва: «Говори правду».

Не поленитесь и поздравьте 9 сентября с профессиональным праздником знакомых вам дизайнеров-графиков. Тем более в этом году у них маленький юбилей: вот уже десять лет, как они отмечают свой День! Кто они такие и почему празднуют именно в начале осени - в нашем материале.

Графический дизайн вовсе не узконаправленная специальность, как можно было подумать. Результаты работы дизайнеров-графиков сопровождают нас абсолютно везде: оформление книг и журналов, рекламные баннеры и плакаты, указатели на улицах и навигация в аэропортах. Даже если нужно придумать шрифт, логотип или упаковку, следует обращаться именно к ним.

Графический дизайн - это итог слияния коммерческого искусства (афиши, плакаты, баннеры) и современного изобразительного искусства рубежа XIX–XX вв. Одни из самых известных и успешных дизайнеров-графиков: Алан Флетчер - создатель логотипа Reuters и Музея Виктории и Альберта, Джим Паркинсон известен работой с Newsweek, Rolling Stones, Washington Post, Милтон Глейзер и его «I Love New York», швейцарец Армин Хофманн и рекламный постер к балету «Жизель» и др.

День графического дизайнера в России и странах СНГ был учрежден в 2005 г. в день 50-летия известного российского дизайнера-графика В. Б. Чайки (9 сентября). Владимир Борисович - признанный мастер международного уровня, первым был удостоен премии РФ в области искусства и литературы. Он является членом Союза дизайнеров России, Союза художников России, международных ассоциаций Brno Biennale и AGI (Alliance Graphigue Internationale). Его работы не раз оказывались лучшими на различных выставках и фестивалях (в Хельсинки, Москве, Брно, Варшаве, Загребе, Харькове). Чайка известен, прежде всего, своими плакатами. Каждый год во многих странах проходят выставки его работ, а некоторые даже находятся в коллекциях различных музеев .

Несмотря на то что отечественные вузы уступают по уровню зарубежным, у нас есть большое количество дизайнеров, которые самостоятельно освоили профессию и сейчас успешно работают не только в России. Этого вполне реально добиться при большом желании и огромном количестве ресурсов в интернете, посвященных дизайну и облегчению работы специалистов. Например, есть специальные площадки, на которых можно искать вдохновение и делиться опытом (Dribble, Behance, Marvel); сайты с подбором цветов и шрифтов (Material Palette, TypeGenius, FontFaceNinja); форумы и уроки (Дежурка, Design Mama) и, конечно же, фотобанки, где дизайнеры не только могут продавать свои работы, но и покупать другие для создания новых проектов (PressFoto).

Коллектив PressFoto поздравляет дизайнеров-графиков с профессиональным праздником и желает больше ярких и интересных идей, новых перспективных проектов!

Главная задача любого графического дизайнера - это разработка стиля фирмы или компании. Данный процесс включает в себя создание логотипа и всего, что так либо иначе связано с индивидуальным стилем фирмы. Услуги графического дизайнера нужны любой компании, которая хочет выделиться среди множества безликих конкурентов, чьи логотипы были придуманы непрофессионалами.

Профессия графический дизайнер

Главный вопрос, который волнует многих из тех, кто выбирает профессию, звучит так: сколько зарабатывает графический дизайнер? Размер заработной платы зависит от множества факторов. Ключевым среди них можно назвать уровень квалификации. Если дизайнер способен создать достаточно качественный продукт, то его заработная плата будет на высоком уровне, а если же дизайнер годится лишь для создания некачественных подделок, то рассчитывать на зарплату и вовсе не приходится.

Чем занимается графический дизайнер? Обычно в его обязанности входит создание логотипа, макета, дизайна упаковки. Кроме этого, профессиональный графический дизайнер способен выполнять и макеты книг или журналов. Это и есть основные обязанности графического дизайнера.

Лучшие графические дизайнеры

Самые известные графические дизайнеры достигли таких высот из-за своего небывалого таланта и трудолюбия. Именно эти качества являются основой успеха в сфере дизайна. К числу наиболее успешных можно отнести Пола Рэнда (автор логотипов IBM, ABC), Алана Флетчера (создатель логотипа Reuters), Раймонда Лоуи (автор логотипа нефтяной компании Shell, Exxon).

Графические дизайнеры России

Графический дизайн в России зародился в 90-е годы прошлого века после Перестройки. Среди наиболее известных персон следует выделить Стаса Живицкого, Сергея Кужавского, Эркена Кагарова, Андрея Логвина.

Каждый из них обладает собственным индивидуальным стилем исполнения и способен создать что-то по-настоящему новое и привлекательное для массового потребителя.

Графический дизайнер: зарплата

Средняя заработная плата графического дизайнера в РФ составляет около 30 тысяч рублей. Очевидно, что зарплата в столице будет существенно выше, нежели в регионах, поэтому нет ничего удивительного в том, что некоторые дизайнеры стремятся уехать на заработки в Москву и в страны ЕС.

Как стать графическим дизайнером

Для того, чтобы стать графическим дизайнером, достаточно обладать чувством вкуса и навыками рисования. Можно попытаться закончить профильное учебное заведение, однако, главное в любой профессии - это личные качества и навыки, а не корочка диплома, тем более в России диплом мало что значит. Графические программы для дизайнеров во многих ВУЗах, поэтому самоучки обладают ничуть не меньшим количеством знаний, нежели профессионалы.

Начинающим графическим дизайнерам лучше нанять репетитора, который в индивидуальном порядке обучит всем тонкостям ремесла, а получить специальность "графический дизайнер художник" можно всего лишь за 2 года в профильном колледже. Подобные заведения можно найти по всей стране.

Как стать графическим дизайнером и где учиться на графического дизайнера

МЫ ЗАВЕРШАЕМ СЕРИЮ ИНТЕРВЬЮ, ПОСВЯЩЕННУЮ СУДЬБЕ ОТЕЧЕСТВЕННОГО ГРАФИЧЕСКОГО ДИЗАЙНА, ЕГО НОВЕЙШЕЙ ИСТОРИИ В ЛИЦАХ. ЕЕ ГЕРОИ, БУДУЧИ ЗНАКОВЫМИ ФИГУРАМИ РОССИЙСКОЙ ДИЗАЙНЕРСКОЙ СЦЕНЫ, ПРЕДСТАВЛЯЛИ НЕ ТОЛЬКО СОБСТВЕННОЕ ТВОРЧЕСТВО, НО И СВОИ ПОКОЛЕНИЯ, АКТИВНО И УСПЕШНО РАБОТАЮЩИЕ СЕГОДНЯ В ПРОФЕССИИ.

Старшее поколение, дизайнеры 30-40-х годов рождения, было представлено интервью с (1938), которого великий Массимо Виньелли назвал лучшим в мире дизайнером книги. Но за ним, вернее, рядом с ним – целая когорта блистательных имен. Ефим Цвик (1935-2005), Николай Калинин (1937), Аркадий Троянкер (1937), Валерий Акопов (1938), Юлий Перевезенцев (1938), Николай Попов (1938), Александр Шумилин (1938-2007), Борис Трофимов (1940), Максим Жуков (1943), Александр Коноплев (1943), Евгений Добровинский (1944), Андрей Костин (1947-2000), Валерий Васильев (1949). Все они лауреаты международных конкурсов, обладатели высших наград на самых престижных мировых профессиональных смотрах.

Аркадий Троянкер

IPEK - Михаил Аникс

Я знаю их очень давно, все они - мои старшие товарищи, друзья. Но я не перестаю удивляться их неиссякаемой энергии, непостижимому задору, искрометному таланту. Из интервью с Михаилом Аникстом становится ясно, откуда родом эта творческая сила. Из их студенчества, молодости. Они все, по-существу, «шестидесятники», на их творческое становление пришлась эпоха «оттепели», время обращения к современному миру и собственных творческих поисков. После десятилетий страха и ужаса совсем небольшого откручивания гаек и приоткрытия железного занавеса хватило тогда, чтобы произошел тектонический сдвиг, и появилось поколение с неимоверной жизненной энергией, на протяжении многих лет остававшееся лидером в культуре. В графическом дизайне это поколение находилось в авангарде профессии и в 60-е, и в 70-е, и в 80-е годы. И по сей день оно по-прежнему актуально и пользуется невероятным уважением и авторитетом. Это поколение титанов, героев, ставших дизайнерами не благодаря, а вопреки всем обстоятельствам.

Борис Трофимов

То время можно было описать парадоксальным афоризмом: дизайна у нас не было, а дизайнеры были. Дизайнерские имена, которые знал весь профессиональный мир, были, а дизайна как востребованной части экономики, культуры и общественной жизни - нет. Даже слова-то такого не было. Промышленный, предметный дизайн именовался «художественным конструированием». Теория дизайна – «технической эстетикой». А вместо «графического дизайна» было сразу несколько советских эвфемизмов. В промышленном контексте графический дизайн назывался «промышленной графикой», сокращенно «промграфикой». В Союзе художников псевдонимом графического дизайна была «прикладная графика». В Полиграфическом институте, где занимались элитарным книжным дизайном, он назывался «ХТОПП» - «художественно-техническим оформлением печатной продукции», в Строгановке фигурировала еще одна словесная конструкция: «промграфика и упаковка» и т.д.

Борис Трофимов

Владимир Чайка

Среднее поколение – нынешние 40-50-летние. В журнале оно было представлено (1967) и (1964). Наиболее яркие фигуры этой генерации – Светлана (1952) и Александр (1953) Фалдины, Юрий Боксер (1953-2002), Владимир Чайка (1955), Андрей Шелютто (1960), Елена Китаева (1960), Юрий Сурков (1961), Анатолий Гусев (1963), Евгений Корнеев (1964), Андрей Логвин (1964), Эрик Белоусов (1964), Эркен Кагаров (1966), Сергей Кужавский (1966), Петр Банков (1969).

Игорь Гурович

Это поколение начало себя проявлять еще в конце 80-х, но полностью вступило в свои права в 90-е, ставшие временем их взлета, когда произошла неожиданная актуализация графического дизайна. Именно он оказался в первую очередь востребован­ зарождавшейся ры­ночной эко­номикой. Сотни тысяч новых субъектов хозяйст­венной и общественной деятельности заявляли о своем появлении на свет с помощью логотипов, фирменных стилей, рекламы и дру­гих атрибу­тов цивилизованной деятельности. Графический дизайн на глазах начал становиться самой распространенной дизайнерской специализацией, внезапно превратился в модную и престижную профессию.

Массовая компьюте­ри­зация профессии, совпавшая с социальными изменениями и коммерческим бумом, предос­тавили дизайнерам совершенно новые, невиданные воз­можно­сти, освобождающие от прежних технических ограни­чений. Но для неофитов, хлынувших в эту область, компьютерная свобода стала непреодолимым со­блазном вседозво­ленности, освобождающим от самой профессиональной культуры, по крупицам накапливавшейся предыдущим поколением.

Андрей Логвин

Елена Китаева

И в новых обстоятельствах стать настоящим дизайнером, мастером мирового уровня можно было «не благодаря, а вопреки». Этому поколению предстояло осознать, что дизайнер - профессия легкая и интересная, но одновременно - тяжелая, соблазнительная и опасная, потому что здесь очень просто стало скатиться к продажности, к безвкусице и пошлости. Герои этого поколения стремятся сохранять в себе культуротворческий смысл профессии как служения, ориентируясь на внутренний голос профессиональной совести и строгий суд своих коллег. Эту закваску они получили еще от мастеров старшего поколения, успев застать старые романтические времена.

Эркен Кагаров

Андрей Шелютто

Как видно из интервью с и , они стремятся не только решать сиюминутные задачи, но и каждый раз ставят перед собой сверхзадачи, повышая профессиональную планку, размышляя в своих работах о культурной роли профессии, о своем месте в ней, об особенностях национального дизайна.

Молодежь – 20-30-летние – была представлена интервью с Протеем Теменом (1984) и (1974). Рядом с ними можно еще поставить Анну Наумову (1973), Дмитрия Захарова (1975), Анастасию (1980) и Александру (1982) Фалдиных. И пока это, пожалуй, все, если говорить об именах, представляющих Россию на мировой профессиональной сцене, о лауреатах международных конкурсов. У героев этого поколения мировых наград пока заметно меньше. Да и самих-то известных имен здесь значительно меньше.

И это при том что ничего похожего на ослабление спроса на дизайнеров-графиков не наблюдается. Наоборот. Количество высших учебных заведений, выдающих в нашей стране дипломы по специализации «графический дизайн», превысило уже две с половиной сотни. Сюда надо добавить еще специализации смежные или пересекающиеся с ним типа «web-дизайн», «телевизионный дизайн», «дизайн СМИ», «компьютерный дизайн», «рекламный дизайн» и т.п. И сегодня графический дизайн с командой этих родственных дизайнерских специализаций вышел в явные лидеры проектной культуры.

Произошедшая смена лидера – общемировая тенденция информационного общества. Ведущая культурная роль переходит от промышленного дизайна, оперирующего технологической палитрой массового индустриального производства, к более мобильным, свободным, легким жанрам, менее укорененным в технологических условиях творчества. Среди них на первое место выходит именно графический дизайн. Компьютерное перевооружение технологической базы дизайна усилило эти качества легкости, свободы и независимости, а привычное для графического дизайна оперирование образами и информацией как нельзя лучше соответствует запросам информационного общества.

Графический дизайн первым воспринял вызов времени, связанный с тотальной компьютеризацией всех сфер постиндустриального общества, вышел в открытый виртуальный космос «постгуттенберговской галактики». Другое его качество, всепроникающая способность, позволяет ему детально обживать виртуальные мультимедийные среды, осваивать экранную культуру и информационные инновации.

Молодое дизайнерское поколение печалится о романтических временах профессии, подозревая о том, что время героев ушло в прошлое. Но всей своей творческой деятельностью доказывает, что это не так.

Быть дизайнером ­– тяжелый крест. Но любое подлинное призвание есть крест. И так всегда и везде, не только в нашей стране. Но в нашей особенно.

Мы завершили серию интервью, но это не значит, что других материалов о наших дизайнерах-графиках разных поколений не будет. Этой серией мы лишь обозначили основные направления интереса к графическому дизайну – достижения наших мастеров в международном контексте, графический дизайн как стилеобразующая деятельность, формирующая визуальный ландшафт страны и мира, как самое актуальное искусство современности.